ROCKTOPIA

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Como suele ser habitual cuando se transita por algún periodo musical en el que triunfan ciertas tendencias, quien más y quien menos trata de adaptarse a ellas. En mitad de los ochenta muchos fueron los que adecuaron su propuesta a los tiempos reinantes dentro del hard rock, incluido un príncipe de las tinieblas como Ozzy Osbourne. Tras su salida de Black Sabbath, primero llegaron discos que partían de esa simiente, pero un poco, más tarde, Ozzy suavizaría su sonido con álbumes como “Bark At The Moon” o el siguiente: “The Ultimate Sin”.
“The Ultimate Sin” se fraguaba después de una de las varias curas de desintoxicación del cantante británico. Un tratamiento que le tuvo lejos de la música, lo que otorgó a su guitarrista Jake E. Lee una mayor responsabilidad a la hora de la composición de las canciones. Y Lee no debió de hacerlo demasiado mal a tenor del reflejo de las ventas de este disco, con más de dos millones de copias vendidas. Un álbum elegantemente producido por Ron Nevison y repleto de buenos momentos, al margen de su mayor o menor comercialidad.
Una de las virtudes de Ozzy ha sido ser capaz de convivir con cualquier decorado musical, y sobrevivir en el intento siendo respetado, a pesar de sus excentricidades. Es nuestro disco del recuerdo…

Si ha sonado Ozzy Osbourne para abrir la edición de hoy del programa es para introducir al grupo que lo encumbró. Después de 35 años de su anterior aventura discográfica. Después de conciertos, conversaciones y negociaciones, el nuevo disco de Black Sabbath con Ozzy osbourne se titula “13” y es una realidad.
Como suele ocurrir en estos casos, se hace difícil emitir una opinión dada la perspectiva de los años y la magnitud de la banda. Los padrinos, los creadores del heavy metal, idolatrados por generaciones y generaciones de rockeros han vuelto, y lo han hecho primeramente confiando en el historial de un productor como Rick Rubin, especialista en resucitar viejas leyendas. Él les ha dado la pausa y el visto bueno a las interpretaciones que han terminado siendo parte de “13”. Un disco que suena intenso, mastodóntico en los riffs, como no podía ser de otra manera; espacioso y ambiental en la base de ritmo; e inclasificablemente poderoso en la forma de cantar de Ozzy Osbourne.
Inteligentes a la hora de elegir sólo 8 canciones para que “13” llegue a los 53 minutos de duración. Casi como en los viejos tiempos. Temas de metraje largo (la mayoría de más de 7 minutos de duración), y la promesa al que persevera en su escucha, de que encontrará lugar para la profundidad, en un trabajo que crece y crece con cada una de sus audiciones. No hay grandes números. No hay “Paranoid” o “Iron Man”, pero sí un elenco de canciones serias y convincentes. El sello de un género creado por sus inventores, que no es poco. Lugar para las nuevas generaciones para detectar todos los influjos del doom y el stoner actual. Así es “13”, que es, por supuesto, nuestro disco de portada, hoy en Rocktopia.

(Además esta semana en Rocktopia: DIO, GIUNTINI PROJECT, LONG DISTANCE CALLING, DARK RADIO, SPOCK’S BEARD y WET)

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De vez en cuando ocurre que hay discos que son altamente influyentes para muchas bandas. Álbumes que son recibidos por la crítica con los brazos abiertos, pero que sin embargo tardan en calar en la opinión colectiva del público. Eso sucedió con un disco como “Blues For The Red Sun”, una piedra filosofal de un subgénero como el stoner Rock, rubricado por un grupo de culto como Kyuss, y que sin embargo vendería menos de 40.000 copias en el momento de su publicación. “Blues For The Red Sun” representaba el segundo esfuerzo de Kyuss, después de una primera entrega bastante discreta, lo que contribuyó a que este trabajo significase toda una sorpresa. Acababa de entrar el verano de 1992, cuando se editó con la producción del genial Chriss Goss y la inclinación clara hacia el sonido básico de grandes padres del metal pesado como Blue Cheer o por supuesto Black Sabbath. Era esa forma de hacer las cosas tantas veces en los noventa, bajo esa filosofía de reinventar el pasado para ponerlo al día.
Grupos como Metallica se rendían ante el poderío de Kyuss y los elegían para acompañarlos en su tour de 1993. Y es que estos Kyuss se erigieron como una de las sensaciones del momento…

Uno de los miembros fundamentales del grupo, Josh Homme, siguieron su camino buscando nuevos derroteros musicales, y así nacieron los aplaudidos Queens Of The Stone Age. Ellos también se enclavaron de alguna manera en ese subgénero del stoner Rock. Aunque lo suyo siempre tuvo más que ver con atmósferas que venían de ahí, pero que se proyectaban hacia horizontes en los que los estribillos y los contornos Pop también estaban muy presentes. Una forma de estilizar y abrir aún más la propuesta de los seminales Kyuss.
La carrera de Queens Of The Stone Age se ha ido cimentando con un éxito gradual y muy seguro. Por el grupo han pasado miembros insignes como Dave Grohl de Foo Fighters o el propio Nick Olivieri rescatado de Kyuss.
Después de 6 años desde su anterior obra en estos días se pone a la venta “…Like Clockwork”, el nuevo y esperadísimo nuevo álbum de QOTSA, en el que Josh Homme prueba como nunca su capacidad para cincelar canciones en sí mismas. Canciones inspiradas pero con una carga de inteligencia musical y pulsante encanto al alcance de muy pocos. Quizá esa sea la madurez bien entendida o tal vez se trate de un artista capaz de medirse y saber esperar su momento de lucidez. El caso es que “…Like Clockwork” pasa por ser de lo mejor jamás editado por “Las Reinas de la Edad de Piedra”… Es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: SPIRITUAL BEGGARS, CIVIL WAR, SEMANTIC SATURATION, LEAFBLADE, TESSERACT y VINDICTIV)

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Descerrajamos la edición de hoy del programa con la evolución recorrida por una banda como Therion. Estos suecos fueron de la primeras bandas en mutar desde su primigenia concepción de grupo de death metal hasta el metal sinfónico, en su caso. Y es que con el paso de los años hemos asistido a la transformación de combos de death en bandas de diferentes estilos como el género progresivo, gótico o los inclasificablemente vanguardistas. En el caso de Therion, fue en el año 1996 y con la publicación de su álbum “Theli”, cuando rompieron en gran medida las barreras que los unían a su pasado y ponían tierra de por medio con la concepción de una obra del más bizarro metal sinfónico. La teatralidad siempre había sido una de sus marcas diferenciales, pero para este “Theli” esa característica se acrecentaba además con la participación de dos corales: por una lado el Coro de la Radio de Alemania del Norte, y por otro el Coro Sirena. En ambos casos con una importante relevancia a lo largo de todo el álbum. La ambientación oscura imborrable en Therion y las colaboraciones de personajes de las tinieblas escandinavas como Dan Swanö hacían el resto…

Therion han sido uno de los grupos con los que han salido de gira para ser sus teloneros los noruego Leprous. Una banda joven que nos tomaba al asalto hace un par de años con la edición de un flamante y sorpresivo disco. Así que para este año 2013 esperábamos con ganas la aparición de su nueva obra, deseando que cumpliese con las expectativas creadas, y desde luego que así ha sido. El crecimiento logarítmico de Leprous es un hecho y su nuevo disco “Coal” es otra vez toda una experiencia para nuestros oídos. Leprous también vienen de un pasado como banda de death metal, algo que algunos de los más avezados músicos de ese estilo utilizan para cultivar su técnica y su capacidad para crear diferentes ambientes, casi siempre bastante dramatizados. Eso ocurre con Leprous y sus multicolores excursiones musicales que te llevan por momentos en los que se entremezclan ecos que pueden recordar a Queen o a Devin Townsend. Imaginación e interpretaciones impecables. Todo un viaje musical este “Coal”, nuestro disco importante esta semana en Rocktopia…

(Además esta semana en Rocktopia: WISDOM OF CROWDS, SIMONE FIORLETTA, THE POODLES, ADRENALINE MOB y PINNICK-GALES-PRIDGEN)

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Un disco clave para la continuidad de la banda que lo rubricaba. Trabajo fundamental para afrontar una nueva era después de la marcha de un frontman tan carismático como Peter Gabriel. Genesis y su “A Trick Of The Tail”, para abrir la edición de hoy del programa.
Cuando en 1975 Peter Gabriel anunciaba su decisión de abandonar un grupo tan de referencia como Genesis, se abría un periodo de incertidumbre que terminó con Phil Collins sumando las labores vocales a su ya consumada reputación como batería. Después de varias pruebas a distintos cantantes, en Otoño de 1975, la banda se encerraba en los estudios Trident con la intención de grabar un nuevo disco post-Gabriel, y con la duda de saber si la decisión de que Collins fuese el nuevo cantante era la acertada. Para empezar “A Trick Of The Tail” nació como una apuesta segura en cuanto a estilo, inclinándose hacia las tendencias que tenían que ver con discos de marca ya probada como “Foxtrot” o “Selling England By The Pound”. Se trataba de ahondar en lo ya experimentado añadiendo ciertos matices distintivos de su nueva voz, y la sentencia por parte de público y crítica fue bastante unánime, considerando a “A Trick Of The Tail” como uno de los discos favoritos de Genesis, uno de los pocos que siguió aportando canciones al repertorio de directo del grupo con el paso de los años. El álbum se abría de forma inequívoca y bombástica con una de las introducciones clásicas de Genesis en esta canción titulada “Dance On A Volcano”.

Se escribía el destino de Genesis y prácticamente el de las familias de los miembros del grupo, cuando en los años más ocupados de la banda los acompañaban en sus inmensas giras por todo el mundo. Así aprendió lo que quería ser de mayor Simon Collins. Evidentemente hijo de Phil Collins.
Nació prácticamente con una batería debajo del brazo. Con el paso del tiempo lo intentó en solitario, sin demasiado “bombo y platillo” (nunca mejor dicho), pero llegando a grabar tres discos bajo su nombre. Las distintas colaboraciones con otros músicos han terminado cuajando en el primer álbum de una nueva formación comandada por Simon Collins y denominada Sound Of Contact, en la que canta y toca la batería, como ya hiciese su padre en su momento. “Dimensionaut” es el nombre del álbum de debut de Sound Of Contact. Una contestación generacional, para responder el poco amor que su padre profesa hoy en día al género progresivo. Y es que “Dimensionaut” es un muy respetable trabajo de prog-rock moderno, en el que no faltan los inevitables recuerdos para Genesis, pero desde luego muy bien ligados a grupos de vanguardia como Porcupine Tree o RPWL. La genética hace el resto con esa forma de tocar la batería y cantar, que desde luego recuerda al gran Phil Collins de su buena época…

(Además esta semana en Rocktopia: RAY WILSON, FRANCESCO FARERI, STRATOVARIUS, TIMO TOLKKI’S AVALON y KOTIPELTO/LIIMATAINEN)

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La apasionante y tan recurrente escena sueca tiene uno de sus puntos geográficos fuertes en Gotemburgo. De allí han salido especialmente en los últimos quince años, bandas dispares y cuya calidad suele ser un elemento común en muchas de ellas. Unos de los padres de las escena actual más gris de Gotemburgo son Evergrey. Su propuesta, mezcla de distintos paisajes musicales comenzaba a cobrar sentido con su primer disco de 1998. Un álbum, sin embargo, algo difuso, el cual exponía ideas aún por cristalizar. Sólo un año más tarde Evergrey se apresuraron a continuar su trabajo y editaron “Solitude, Dominance, Tragedy”, el disco que definitivamente dio con sus señas de identidad, esas que cosen su propuesta con fundamentos de metal gótico, progresivo o power, para construir una oscura aleación ultra-compacta, en la que la desesperación sónica es entregada por la emotiva voz de Tom Englund. Producido por el guitarrista de King Diamond, Andy LaRocque, “Solitude, Dominance, Tragedy” se editaba en 1999, para confirmar a Evergrey como fuerza emergente…

La escena de Gotemburgo se mantiene con gran salud hasta nuestros días: diversa, variopinta y heterogénea. Unos de sus últimos hijos son una banda llamada Saffire. Curiosamente Saffire representa la evolución de dos de sus miembros fundadores quienes antes de formar el grupo se dedicaban a practicar un género tan diferente como el funk-rock. Pero ellos querían canalizar sus influencias de hard rock clásico y plasmarlas con un giro actual, y de ahí salió Saffire. Formados en 2006, han tardado siete años en tener preparado este tremendo disco de debut que sorprende sin previo aviso por su estupenda producción y perfecto acabado de estas canciones que te llevan de un lado a otro de las influencias aparentes de Dio, Rainbow, Symphony-X, Savatage o hasta Dokken. Todas ellas conjugadas a base de órgano hammond y encuadre puesto al día. Toda una sorpresa. Una de las llamadas a ser mejor nueva banda de 2013. Para muestra basta escuchar cortes indiscutibles como la hímnica “Magnolia”. Hechas las presentaciones, damos la bienvenida a este mundo a Saffire. Nuestro disco importante esta semana en Rocktopia.

(Además esta semana en Rocktopia: ANTON JOHANSSON’S GALAHAD, DIVIDED MULTITUDE, MATTIAS EKLUNDH, VOLBEAT, DILLINGER ESCAPE PLAN y EARLY CROSS)

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Nuestra máquina del tiempo de cada semana no va a ir demasiado lejos esta vez, y es que para nuestro disco del recuerdo hoy viajamos al año 2002, al momento de la publicación de un disco clave en la carrera de Nightwish. La banda finlandesa daba la bienvenida al bajista y vocalista de apoyo Marco Hietala, quien desde ese mismo momento asumiría un rol de gran importancia en el seno del grupo. “Century Child” era el cuarto larga duración de Nightwish, un disco que significaba todo un reto después de que con “Wishmaster”, su anterior obra, hubiesen abierto de par en par las listas de ventas finlandesas y de otros países europeos. Era por lo tanto el turno de certificar su estatus, y par ello tendieron a repetir las fórmulas ganadoras de su pasado inmediato, aunque quizás dando un giro levemente más asequible a sus canciones, aunque su dirección power-sinfónica seguía siendo la norma, y por supuesto también la operística voz de Tarja Turunen…

Peso pesado en el seno de Nightwish, Marco Hietala es también un hombre importante en el desarrollo de otra banda finesa como Amorphis, no en vano ha sido su productor en sus últimos cuatro discos, con los cuales ellos también han sido número uno en ventas en Finlandia. Sin embargo para su nuevo disco Amorphis ha dejado de lado la participación de Hietala y echado mano de otro productor escandinavo muy en su línea como lo es el oscuro y extremo Peter Tägtgren, aunque no por ello la música o la presentación de Amorphis ha sufrido ninguna modificación sustancial. “Circle” es el nombre de su fantástico nuevo trabajo: misma línea musical y diferente argumentación en cuanto a textos se refiere, dejando a un lado por una vez su recurrente mitología nacional, para adentrarse en el terreno conceptual. Por lo demás, la épica sombría con coletazos a folk local disimulados a guitarrazos son de la partida en este intenso “Circle”, en el que también hay lugar para la versión que Amorphis pueden hacer de la palabra comercialidad, y en ese apartado se incluye un tema como “Misión”. Amorphis ocupan nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: STEVEN WILSON, JOE SATRIANI, CHICKENFOOT, BURNING RAIN y N.O.W)

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Sinfónicos y orquestados para saludar esta nueva entrega del programa, la cual se va a abrir hoy con el recuerdo para uno de los músicos más importantes de la historia del Rock. Un caballero en toda la extensión de la palabra, que nos dejó para siempre el pasado 16 de Julio de 2012, y que se llamaba Jonathan Douglas Lord o lo que es lo mismo: Jon Lord. El teclista principalmente conocido por ser miembro de Deep Purple, comenzó sus estudios de piano clásico con tan solo cinco años. Su pasión por la música barroca y medieval se encontró con su devoción por el Rock, lo cual derivó en convertirse en uno de los músicos más venerados de su generación. En 1975, cuando Deep Purple daban sus últimos coletazos previos a su separación tras la huida de Ritchie Blackmore, Jon Lord hizo un hueco en su apretada agenda para poder atender a una de sus mayores motivaciones, la de conjugar sus dos principales predilecciones: el Rock y la música clásica, algo que fue una constante durante toda su carrera. Era el momento de registrar una de sus más inspiradas creaciones, su segundo disco en solitario, una obra denominada “Sarabande”, a la que el propio Lord consideraba uno de sus más acertados trabajos.
Grabado entre los días 3 y 6 de Septiembre de aquel año, cerca de Dusseldorf, por la Orquesta Filarmónica de Hungría y músicos como Mark Nauseef a la percusión, quien luego trabajaría con Gary Moore, por ejemplo o el mismísimo guitarrista Andy Summers más tarde de The Police…. La fijación orquestada sinfónico rockera de Jon Lord es nuestro disco del recuerdo.

Jon Lord dejaría por motivos de salud su actividad con Deep Purple en 2002. Desde entonces la púrpura profunda había publicado dos discos no demasiados afortunados y bastante desenfocados. Todo hasta llegar hasta nuestros días con la edición de su nuevo álbum. Un disco con un título más que significativo: “Now What?!”, “ahora qué?!”, en clara alusión a esa situación de encrucijada que los ha tenido nada menos que ocho años en parada discográfica, seguramente reflexionando sobre qué camino tomar, algo que parece también sobrevolar los textos de este “Now What?!”. Sin embargo no hay nada que temer, ya que la responsabilidad de perpetuar el sagrado nombre de Deep Purple parece haberse resuelto con la dignidad y solemnidad requeridos para tan complicada situación. El recelo desaparece nada más desempolvar los primeros compases de “Now What?!”. Seguramente el mejor disco de Purple desde aquel ya lejano “Purpendicular” de 1996. Da la sensación de que Steve Morse ha tomado serias responsabilidades en la composición de estas canciones, muchas de ellas llevan su inconfundible sello, al igual que el del teclista Don Airey, quien por fin se despereza libremente en este nuevo disco. Producción de un peso pesado como Bob Ezrin (Pink Floyd, Aerosmith, Kansas, Kiss…), quien seguramente también es responsable del gran equilibrio del conjunto. Deep Purple: nuestro disco importante esta semana…

(Además esta semana en Rocktopia: MARILLION, MARCO SFOGLI, REDRUM, GEOFF TATE’S QUEENSRYCHE y MAEGI)

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Uno de los acontecimientos del nuevo siglo en lo que al mundo del heavy rock se refiere para destapar hoy el programa. Después de rumores, después de cruces de declaraciones y negaciones por doquier, el 29 de mayo del año 2000 se materializaba la reunión de una banda mítica como Iron Maiden. Y no es que hubiesen dejado de existir en ningún momento, pero sí que se echaba de menos la presencia de dos pesos pesados como el vocalista Bruce Dickinson y el guitarrista Adrian Smith, partícipes en ambos casos de la mayor gloria de la banda británica durante su época dorada.
El anuncio de la grabación de un nuevo disco no se hizo esperar. Tras el adelanto del single “Wicker Man”, el álbum “Brave New World” vería la luz para gozo de las millonarias legiones de seguidores en todo el mundo que siempre han visto a Iron Maiden como algo más que un grupo de metal: como un sello de identidad y filosofía del propio estilo musical.
“Brave New World” sería grabado en los estudios Guillermo Tell de París durante los anteriores meses, producido, grabado y mezclado por un Kevin Shirley que se estrenaba en esas lides con la “dama de hierro”, y que propuso al grupo grabar gran cantidad del material tocando en directo, todos juntos, desde el estudio de grabación. El álbum cosecharía críticas en su mayoría favorables, y el beneplácito del público que vio en “Brave New Wolrd” un digno continuador de la saga Maiden, llegando a entrar en el top-10 de ventas en países como Alemania, Italia o el Reino Unido…

Encargo de alta responsabilidad, desde luego, el que recibía el productor Kevin Shirley para hacerse cargo de semejante disco. El había trabajado antes con nombres como Black Crowes, Dream Theater o Sileverchair, pero aquello fue realmente notorio, y jugó a su favor, sólo hay que observar la inacabable lista de nombres a los que Shirley ha producido en los último años: Joe Bonamassa, Black Country Communion, Journey, Mr. Big… o sino los jóvenes e impactantes Tracer…
Ellos, Tracer, vuelven en estos días a la palestra, con su nuevo disco, su segundo larga duración y esa misma forma sincera y visceral de entender el hard rock. Vienen de Australia, y eso siempre marca carácter de buen rock arenoso y genuino. Y además son un power-trío de actitud ejemplar. “El Pistolero” es el nombre de su nuevo disco, inspirado en la película “Desperado” de Robert Rodríguez y cargado de rock sin fisuras. A cualquier grupo no le nombran “Mejor nueva banda del año” en los premios Classic Rock, como ocurrió con Tracer en 2012. Ahora certifican su posición con este pletórico “El Pistolero”. Es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: POPA CHUBBY, SNAKECHARMER, NIACIN, SPEAKING TO STONES, BLACK HAT y ICED EARTH)

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Cada edición del programa se abre habitualmente con un disco del pasado. Los hay que son grandes obras inmortales, otros multiventa o sino trabajos considerados de culto. Pero también hay hueco en esta sección tradicional en Rocktopia para esos discos que pasan inadvertidos y que, por qué no, merecen un lugar en el programa. Nuestro guiño a tiempos pretéritos hoy se lo vamos a dedicar a una banda llamada Majestic. Ellos surgieron en los últimos años de la década de los 90, casi de forma heroica dados los arduos tiempos que se vivían entonces para las bandas que como ellos practicaban metal neoclásico. Majestic eran un grupo muy en la onda de combos como Artension o Royal Hunt, además de por sus hechuras musicales, por la condición de ser agrupaciones lideradas por teclistas, algo que de alguna manera hacía que su perspectiva fuese diferente. Richard Andersson era el alma máter de Majestic, años más tarde formaría parte de los Rising Force de Yngwie Malmsteen o de grupos poco populares como Time Requiem, pero la historia comenzaría con Majestic y sus dos únicos discos en los que dio rienda suela a su inclinación por clásicos como J.S. Bach, Paganini o Vivaldi, por supuesto bien rockerizados por sus influencias de Deep Purple, Rainbow o el propio Malmsteen. Hace 13 años se ponía en circulación “Trinity Overture”, el segundo álbum de Majestic...

Junto a Richard Andersson, hay un hombre que ha estado en muchos de sus proyectos: el cantante sueco de origen Griego Apollo Papathanasio. Él formó parte Time Requiem o Firewind y es miembro actual Spiritual Beggars.

Spiritual Beggars es la vía de escape para que el guitarrista de Arch Enemy, Michael Amott, pueda de cuando en cuando sacudirse su irremediable vena de classic Rock. Los ‘Beggars llevan desde 1993 siendo sinónimo de rock hecho a la antigua usanza al más puro estilo años 70. Junto a él otros metaleros oscuros con hambre de rock orgánico, como Ludwig Witt (Grand Magus, ex Firebird) a la batería, Per Wiberg (ex Opeth) a las teclas, Sharlee D’Angelo (Arch Enemy, Witchery) en el bajo y por supuesto Apollo Papathanasio a la voz.
El nuevo disco de Spiritual Beggars se llama “Earth Blues”, se trata de su octavo álbum de estudio, y marcará el vigésimo aniversario de la banda sueca. Y además lo hará por todo lo alto, ya que “Earth Blues” puede considerarse de lo más destacado de la carrera, ya de por sí brillante, de Spiritual Beggars. Grabado de un tirón, tocado en directo desde el estudio de grabación, “Earth Blues” suena tan honesto como terrenal, y nos trae canciones estupendas como “Hello Sorrow”.

(Además esta semana en Rocktopia: WHITESNAKE, GÜRU, KIKO LOUREIRO, DOGGERLAND, WARNOT y GAMMA RAY)

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Surge entre las ondas el programa de hoy con uno de los 15 mejores discos de todos los tiempos. Y no lo decimos nosotros, lo dicen publicaciones tan prestigiosas como la revista Rolling Stone.
El doce de mayo de 1967, se editaba el primer disco de un veinteañero llamado Johnny Allen Hendrix, más conocido por su nombre de guerra: Jimi Hendrix.

En realidad no era la obra de un solo artista, sino la del power-trio que un año antes había formado junto al bajista Noel Redding y al batería Mitch Mitchell, aunque evidentemente el centro de atención era el gran Jimi, quien recién instalado en Londres no había hecho otra cosa que llamar la atención con su revolucionario estilo de tocar la guitarra y hacer música. Hasta ídolos como Keith Richards o Eric Clapton se habían deshecho en elogios hacia él. Un revuelo que le hizo encontrar rápidamente los medios para grabar sus primeras canciones. Pero en Hendrix no era solo estelar su forma revolucionaria de tocar la guitarra, sino también sus excelentes y pegadizos riffs, sus contagiosas y ácidas melodías, además de esa poesía de influencia química que rodeaba la liturgia de su música. Por otro lado la Jimi Hendrix Experience, nació con una vocación de eso, de experimentación, tanto en terrenos estrictamente musicales, como en lo que a desarrollo tecnológico se refiere. Obra maestra de la música del siglo XX para abrir hoy por todo lo alto Rocktopia…

Ese disco de Jimi Hendrix Experience es una reconocida influencia, uno de los discos de referencia de una banda como Three Seasons. Estos suecos hacen todo a la vieja usanza. Graban sus discos con medios tradicionales, se visten como en plena época hippie y también giran y giran. Tocan en cualquier sitio en el que puedan enchufar sus guitarras. Y esa actitud tan genuina es plenamente palpable de nuevo en su segundo y maravilloso segundo larga duración: “Undrestand The World”. Si ya con su primera obra nos llamaron la atención, con esta nueva entrega no han hecho más que cumplir con las expectativas más que de sobra. Three Seasons son la perfecta recreación de los universos de los últimos años sesenta y primeros setenta. La psicodelia impregnada de improvisación, la crudeza analógica y la desbocada pasión por lo que hacen. Un grupo realmente particular que vuelve a nuestros escenarios, y que son garantía de entretenimiento y groove.

La gira de Three Seasons:

17/4 2013 – Madrid, Wurlitzer.
18/4 2013 – Castellón, D’Leyend.
19/4 2013 – Orihuela, La Gramola.
20/4 2013 – Zaragoza, La Ley Seca.
21/4 2013 – Torredembarra, La Traviesa.
22/4 2013 – Barcelona, Rocksound.
24/4 2013 – La Coruña, Mardi Gras.
25/4 2013 – Cangas de Morrazo. Salasón.
26/4 2013 – Orense, Berlin.
27/4 2013 – Avilés, Malecón.
28/4 2013 – Santa María del Páramo, Taberna Belfast.
29/4 2013 – León, El Gran Café.
30/4 2013 – Burgos, Estudio-27.
02/5 2013 – Plasencia, Sala Impacto.
03/5 2013 – Cádiz, Supersonic.
04/5 2013 – Estepona, Louie Louie.
05/5 2013 – Granada, Sala Planta Baja.

Nada menos que 17 fechas para presentar este pletórico y encantadoramente anacrónico “Understand The World”. Es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: Long Distance Calling, Eric Johnson, Snowfall, Mastercastle, Ashent y Germán Pascual).

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Procedemos a la apertura de esta nueva edición del programa con una banda la cual ha estado de hibernación hasta hace bien poco, y es que llevábamos mucho tiempo sin saber nada de Enchant.
Banda americana surgida en 1989, que contó con el padrinazgo del Marillion Steve Rothery en sus primeros años. Influidos a partes iguales por los propios Marillion y por grupos como Rush o Kansas, Enchant fueron publicando discos y girando con regularidad, llegando a tocar con bandas como Dream Theater o Spock’s Beard, hasta que detuvieron su actividad hace ya 10 años. Pero antes de que eso ocurriera, cuando vivían probablemente su mejor época, concretamente en el año 2000 nos dejarían una obra como “Juggling 9 or Dropping 10”, considerado por público y crítica como uno de sus trabajos más importantes. La calidez del prog rock americano muy orientado hacia las canciones en sí mismas en un entorno de discreción general y sólo disfrutable con las repetidas escuchas…
Hay noticias sobre la vuelta de Enchant para este mismo año. Una vuelta que estaba prevista para los primeros meses de 2013, pero que parece que se está retrasando, quizás también debido a la actividad de Ted Leonard, vocalista de Enchant, con otra banda de referencia como Spock’s Beard, quienes publican disco en estos días.

Ted Leonard ha sido durante estos años de parón de Enchant, uno de sus miembros más activos con sus trabajos con Thought Chamber, Affector y, de forma más relevante, con los mencionados Spock’s Beard, quienes son los protagonistas del disco de portada esta semana en el programa. Tres años después de su décimo disco, Spock’s Beard se enfrentan a un nuevo reto. Primero fue la pérdida de su líder fundador Neal Morse, y después la de su batería y cantante Nick D’Virgilio. Una nueva prueba de fuego para esta institución del prog-rock californiano, que han reclutado a Ted Leonard como nuevo vocalista, mientras han hecho que Jimmy Keegan, anteriormente batería de directo, se haya hecho con ese puesto permanentemente. Así que, necesariamente nuevas perspectivas para los ‘Beard, que se han adaptado a las mil maravillas a la nueva situación, siguiendo musicalmente hablando la tesitura que los ha traído hasta aquí, aunque hay que reconocer que se hace difícil de momento digerir al grupo sin la carismática presencia tanto de un Morse casi olvidado, como de un D’Virgilio realmente importante en este grupo en los últimos tiempos.
“Brief Nocturnes and Dreamless Sleep” es un disco aún muy aprovechable y de incuestionable valía musical, por eso es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: JOLLY, JEFF KOLLMAN, JOE BONAMASSA, BUCKCHERRY y SEBASTIAN BACH)

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Muchos grupos, especialmente los más históricos y populares tienen algún, e incluso algunos, discos de la discordia. Hoy arrancamos con uno de ellos, con el álbum “Slaves and Masters”, uno de los discos más controvertidos de la historia de Deep Purple, y eso que Deep Purple es de las bandas con varios trabajos etiquetables con ese apelativo.
Esa semilla de la discordia estaba sembrada cuando Ian Gillan había abandonado la nave una vez más escaldado debido a sus constantes diferencias con Ritchie Blackmore. Así que, éste, casi a modo de venganza personal, se dispuso reclutar a un viejo amigo suyo, quien sabía que estaría más que dispuesto a aceptar el trabajo. Y de esa manera el ex vocalista de Rainbow, Joe Lynn Turner, se convirtió en el cuarto vocalista de Deep Purple. El resto del grupo seguía siendo el flamante Mark II, pero eso no bastó para que “Slaves and Masters” sonase a los Deep Purple más clásicos. De hecho algunos apodaron a esta encarnación de la banda como Deep Rainbow, y Los rumores de que las canciones del disco habían sido escritas por Blackmore para un supuesto nuevo disco de Rainbow animaban aún más esa idea.
Ventas escasas y una crítica bastante feroz no fueron óbice para que la gira de presentación del disco fuera bastante exitosa, y para que muchos de los fans de toda la vida del grupo lo consideren un trabajo poco reconocible pero no exento de atractivo. Y es que para multitud de admiradores seguía siendo muy sugestiva la idea de encontrar juntos de nuevo a Blackmore y a Turner, después de sus grandes trabajos con Rainbow…

A pesar de lo muy ocupado que debía estar Roger Glover ensayando, grabando y produciendo aquel disco de Deep Purple, todavía tuvo en ese año 90 un hueco para producir también el disco de nuestros próximos invitados… Y es que Roger Glover fue productor en su momento de Pretty Maids. Los daneses estaban en todo su apogeo en aquella época, aunque la cambiante industria musical no les dejó despegar con aquel “Jump The Gun” de 1990. Mucho ha llovido, muchos kilómetros recorridos por Ronnie Atkins y Ken Hammer, y sin embargo su pasión por la música sigue ahí, imperecedera y flamantemente reflejada en el ímpetu y laboriosidad que se hace entrever en sus últimos lanzamientos, el último de los cuales se publica en estos días con el título de “Motherland”. Un auténtico tratado sobre cómo confeccionar el mejor hard y metal melódico del planeta heavy rock. Quizás ya no posean la fiereza intermitente de sus primeros trabajos, pero hay que reconocer que Pretty Maids son doctores en el arte de la elegancia metálica, de la capacidad para perfilar estribillos y composiciones de absoluto empaque… Es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: STRYPER, GOLDEN RESURRECTION, SEMANTIC SATURATION, BEARDFISH, PORCUPINE TREE y MY ENDLESS WISHES)

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Iniciamos el programa esta semana revisando los primeros años de una banda fascinante como Pain Of Salvation. El genial y muy precoz Daniel Gildenlöw creaba este grupo cuando tan solo contaba con once años de edad, y lo bautizó en un principio con el nombre de Reality. Sin embargo ese seudónimo no colmaba las expectativas descriptivas que él quería, así que finalmente optó por el equilibrio entre el bien y el mal, entre lo dulce y lo amargo… El nombre de Pain Of Salvation simbolizaba todo eso. Un juego de contrastes que también ha sido siempre una constante en su música repleta de claroscuros, de pasajes ásperos y livianos. En 1997, y cuando prácticamente nadie en Europa, ni en Norteamérica apostaba por ellos, un sello japonés editaba su primer trabajo titulado “Entropia”, al que sucedió un despliegue medianamente respetable de promoción por el país nipón, lo que les valió ocasionar cierto revuelo en la prensa especializada del sol naciente. Tanto fue así, que poco más tarde, Pain Of Salvation eran fichados por el prestigioso sello progresivo Inside Out al cual aún hoy siguen vinculados. Y es que “Entropia” sonaba a muchas cosas juntas pero a nada en particular. Era un trabajo arriesgado de una banda insultantemente joven con un talento innato a punto de explotar. Crudos, inteligentes, viscerales y técnicos. Así se mostraban Pain Of Salvation.

Aquellos Pain Of Salvation se hicieron mayores y ahora son un grupo de gran prestigio para el que muchos grupos es un honor telonear. Ese es el caso de Kingcrow. Ellos son los felices elegidos para abrir los conciertos de Pain Of Salvation en su gira norteamericana, la cual tendrá lugar en Mayo. Unos Kingcrow a los que llevamos siguiendo la pista durante algunos años, y es que ellos nos son nuevos ni mucho menos, de hecho fueron formados en 1996, pero por unas razones u otras nunca han tenido la aceptación que merecen.
Esperemos que ese tour con Pain Of Salvation les permita exhibir como es de rigor su música, y por ende su magnífico nuevo disco. “In Crescendo” es su nombre, y se trata del quinto trabajo de su dilatada carrera. En él de nuevo prueban su solvencia manejando emociones y texturas diversas en muchos casos colindantes con la propia banda de Daniel Gildenlöw. Profundidad sonora, un flujo de emociones narrados por su música… Un excelente disco de un estupendo grupo al que le deseamos escalar ese peldaño que les hace falta. De momento llegan a Rocktopia para convertirse en nuestro disco de portada esta semana…

(Además esta semana en Rocktopia: INTRONAUT, BARISH KEPIC, DARK NEW DAY, HELL OR HIGHWATER y RAGE OF ANGELS)

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Pocas veces se dan la mano las opiniones de los críticos musicales y de los fans en general, y mucho menos si se trata de un grupo de culto como los tejanos King’s-X. Corría el verano de 1989 cuando se editaba un álbum realmente mágico como “Gretchen Goes To Nebraska”. El listón había quedado muy alto para poder superar a su predecesor, su disco de debut, pero King’s-X se las apañaron para hacerlo. Los textos en muchos casos de poso religioso y no exentos de crítica, quedaban envueltos por el formidable armazón de música repleta de groove, magníficas melodías y esa forma inclasificable de entender el rock de filosofía directa, pero trasfondo imperceptiblemente retador. “Gretchen Goes To Nebraska” era un disco encantador, y revistas de la categoría de Rolling Stone o Kerrang! se deshicieron en elogios desde el momento de su publicación, aunque como buen grupo de culto no terminó por catapultar a King’s-X hasta el Olimpo de los Dioses, aunque los convirtió para siempre en una banda apasionante para unos pocos. Es nuestro disco del recuerdo esta semana…

Varias han sido las incursiones de miembros de un trío como King’s-X en otros proyectos. Por un lado sus propias aventuras en solitario, y por otro reuniones de músicos como The Jelly Jam, The Mob o Platypus. La última de estas reuniones en las que se han embarcado, concretamente el vocalista-bajista Dug Pinnick, es la apasionante superbanda que ha formado junto al prestigioso guitarrista Eric Gales y al acreditado batería de The Mars Volta, Thomas Pridgen. Lo cierto es que algunas veces este tipo de experimentos pueden resultar más o menos forzados, pero ese no es desde luego el caso que nos ocupa. Tres músicos de raza negra, de incontestable calidad instrumental, similares referencias musicales, gran experiencia y una enorme capacidad para encontrar la inspiración y el sentimiento de manera sumamente natural. Como Pinnick declara, “este es un disco basado en cruda energía, dispensado por tres tipos con música en su interior”. Y así trasciende a través de estas trece canciones desbordantes de psicodelia, hard blues y garra rockera heredera de los nombres clásicos. Un álbum intachable que ha venido para convertirse en nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: ROBBEN FORD, GREAT WHITE, ASHA, NEAL MORSE, AEON ZEN y OBSESSION)

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Esta semana nuestra conjugación musical del pasado se la dedicamos al singular Yngwie J. Malmsteen. El guitarrista sueco puso la escena del heavy rock patas arriba con su irrupción en la primera mitad de los ochenta. Yngwie Malmsteen recogió el legado de Ritchie Blackmore y le añadió aún mayores porciones de ego para convertirse en el principal valedor del metal neoclásico y su virtuosismo guitarrero. Sin embargo corría el año 1988 cuando Malmsteen, en una época en la que seguramente todavía seguía algunos consejos ajenos, decidió sumar sus fuerzas a las del cantante Joe Lynn Turner. Siendo un firme y reconocido admirador de Blackmore, la idea de contar con un vocalista que había formado junto a éste en Rainbow, resulto algo irresistible, y fruto de esa unión nacería el disco “Odyssey”, probablemente el lanzamiento más accesible de Malmsteen. Accesible, cuidado y equilibrado, cosa no tan usual en sus discos desde hace mucho tiempo…

Uno de los acompañantes habituales en los primeros discos de Yngwie Malmsteen, incluido ese “Odyssey” que acabamos de escuchar, es el teclista Jens Johansson. Él es también desde casi siempre una de la piezas claves del engranaje de Stratovarius. Los finlandeses aparecieron en el programa hace poco debido a la publicación del min-LP de adelanto de lo que ya es una realidad: “Nemesis”, el decimocuarto disco en estudio de Stratovarius. Ya pasadas las zozobras y dudas con respecto a la banda tras la marcha de Timo Tolkki. Stratovarius parecen haberse redimensionado y redefinido en un concepto similar al que los hizo la banda que son, pero dando cabida a las ideas de los distintos miembros del grupo. Ideas que los han llevado a territorios musicales los cuales se inclinan cada vez más hacia el metal más melódico y técnico y menos power. Así ha sido en los últimos tiempos y así se ratifica en este “Nemesis”.

(Además esta semana en Rocktopia: ANDRE MATOS, IMPERA, BOB KATSIONIS, MY SOLILOQUY, AMPLIFIER y RIBOZYME)

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