ROCKTOPIA

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Historias de éxito para comenzar el programa de hoy, con un disco que llegó al número uno de las listas de ventas en el año de su publicación, y que consiguió meter nada menos que tres singles en el top-10 norteamericano. Hace más de tres décadas veía la luz un disco llamado “Escape” rubricado por una banda como Journey. La era dorada de la banda de San Francisco, la cual era ya por entonces una auténtica sensación comandada por Steve Perry y Neal Schon. Un grupo que había sido concebido como formación instrumental, pero que con el paso del tiempo modificó sus objetivos hasta convertirse en una auténtica institución del AOR. La capacidad instrumental seguía ahí, pero su destreza para concebir canciones ligeras y netamente comerciales conseguiría uno de sus puntos culminantes con “Escape”. Como curiosidad mencionar que “Escape” fue elegido en 1988, por los lectores de la revista británica Kerrang!, como "mejor disco de AOR de todos los tiempos" y en 2001 la reputada Classic Rock lo consideró en el puesto 22 de "los mejores 100 discos de Rock de todos los tiempos". Así pues, público y crítica de acuerdo para proclamar a “Escape” como uno de los mejores álbumes de su especie.

Uno de los miembros fundadores de Journey, el guitarrista Neal Schon, tras la momentánea disolución del grupo en 1987, se dispondría a formar parte de otros grupos como Bad English o nuestros próximos invitados: Hardline. Tras la fugaz existencia de Bad English, un grupo compuesto por nombres reputados del Rock americano, Schon buscaba sangre fresca, músicos jóvenes con los que poder continuar haciendo música dejando al margen luchas de egos. Hardline fue la respuesta a todo eso, una banda de nuevo cuño, creada por los hermanos Joey y Johnny Gioeli. Aunque aquella unión de experiencia y juventud duró tan solo un álbum, y hoy en día Johnny Gioeli es el único superviviente. En unos días verá la luz “Danger Zone” el nuevo disco de la inconstante carrera de Hardline, con formación renovada y su impecable forma de concebir el hard rock melódico con ciertos acercamientos a territorios clásicos, como en la canción “I Don’t Wanna Break Away”. Es nuestro disco de portada esta semana en Rocktopia...

(Además esta semana en Rocktopia: HIMORA, MATT SKIBA AND THE SEKRETS, JOHN 5, SPOCK'S BEARD, ANDROMEDA y TERAMAZE)

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Las cosas en los años 70 sucedían muy deprisa. La música era un claro ejemplo de ello y Deep Purple toda una demostración. La gloriosa segunda formación de la banda británica, con Ian Gillan como cantante, grababan “In Rock”, su primer disco con esa alineación, en 1970. En tan solo 5 años, Deep Purple pasarían de estar en la cima de su popularidad a la desintegración. La cual se produjo principalmente debido a la marcha de Ritchie Blackmore. El disco que pondría fin a una época dorada, el que marcaría la que por entonces parecía ruptura definitiva, era “Come Taste The Band”, el primer álbum sin Ritchie Blackmore a los mandos de la nave, y con el joven Tommy Bolin abordo. Tommy Bolin venía de tocar con James Gang, un currículum que parecía poco adecuado para calzarse los zapatos de Blackmore. Pero Deep Purple habían cambiado desde la llegada de David Coverdale y Glenn Hughes, para imprimir a la banda un carácter más soulero y por momentos funkero, y ahí, en ese terreno, Bolin se desenvolvía de maravilla. Aquel disco, “Come Taste The Band”, pasaría a la historia con más pena que gloria, de manera ciertamente injusta, y es que siempre fue tratado con los condicionantes de los previos Deep Purple, y no como una obra en sí misma.
Con el paso de las décadas y mayor objetividad, “Come Taste The Band” ha ganado adeptos, al igual que Tommy Bolin. Uno de ellos es el guitarrista de Gov’t Mule, Warren Haynes, quien es uno de los responsables de Tommy Bolin and Friends “Great Gipsy Soul”. Un tributo muy honesto y poco oportunista por parte de músicos quienes (algunos de ellos) tuvieron la oportunidad de tocar con Tommy Bolin, y que han aunado esfuerzos para homenajear a su héroe. Se tratan de grabaciones efectuadas a partir de las cintas originales de los discos en solitario de Tommy Bolin, las cuales han sido ampliadas con la adición de apariciones actuales por parte de músicos como el propio Warren Haynes, Peter Frampton, Glenn Hughes, Steve Lukather, John Scofield, Steve Morse o Joe Bonamassa, entre otros... respetando el sonido y la estética musical de las grabaciones originales. Un paseo por la paleta de estilos y la frescura musical de Tommy Bolin, ese engendro de blues, funky, fusión y rock por el que Bolin sigue hoy en día en la memoria de muchos...

(Además, esta semana en Rocktopia: PHILIP SAYCE, DEVIL'S TRAIN, SERGEY GOLOVIN, DEEEXPUS, BEYOND THE BRIDGE y BANZAI)

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Situamos nuestro calendario musical en el año 1990. Don Dokken, después de haber cosechado notables éxitos comerciales con su grupo, decidía zanjar de una vez por todas la polémica relación que mantenía con el guitarrista del grupo que llevaba su nombre, George Lynch. Habían sido tiempos de excelente vinculación musical, sin embargo su interacción personal era peor que mala, así que el vocalista Don Dokken pondría tierra de por medio, concluyendo la historia del grupo que él mismo había fundado, y comenzando su andadura en solitario. Don Dokken se haría acompañar de músicos contrastados para montar su nueva y homónima banda. Ahí estaba John Norum de Europe a la guitarra o Peter Baltes de Accept al bajo. Formando equipo con el excelente productor Wyn Davis darían forma a “Up From The Ashes”, su alegato en forma de LP en el cual reivindicaba su intención de retomar su carrera desde las cenizas, para consolidarla en un futuro prometedor, y así era el disco: “prometedor”, un ultramelódico y elegante compendio de canciones que Dokken había compuesto mano a mano con el resto de los miembros de la banda, aunque al final todo quedó en casi nada, y el escarceo en solitario de Don Dokken duraría muy poco…

Clave en la consecución de aquel disco de Don Dokken era la presencia del guitarrista de Europe John Norum. Un John Norum al que podemos volver a escuchar en su máxima expresión a través del nuevo y flamante disco de su banda madre. Y es que Europe editan en estos días nuevo trabajo. Volvieron después de más de una década de silencio discográfico en 2004, así que han pasado ya 8 años desde que nos reencontramos con Europe. Y fue para bien, fue para echarnos a la cara una banda madura, alejada de los dictados de la moda y de las compañías discográficas, algo que termina por materializarse al cien por cien con la publicación de “Bag Of Bones”, su noveno disco de estudio. Cuando el guitarrista John Norum abandonaba la banda en mitad de su éxito ochentero era, entre otras cosas, por divergencias musicales. Él quería unos Europe más rockeros, más clásicos… y desde luego ha terminado saliéndose con la suya, y es que “Bag Of Bones” es todo un orgulloso despliegue de influencias hardrockeras clásicas. El sello melódico de Europe sigue ahí, desde luego, pero ellos hace ya muchas lunas que dejaron de ser una banda hecha para las listas de éxitos. Gracias a ello podemos disfrutar de su enorme magnitud, con un tremendo disco que es sin paliativos uno de los mejores de su carrera, y por eso también es nuestro disco importante.

(Además esta semana en Rocktopia: HEAT, TRIXTER, STRINGS 24, LORD OF MUSHROOMS, STATUS MINOR y PARADISE LOST)

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En mitad de los 90, un músico de discreto pasado llamado Arjen Anthony Lucassen, apenas conocido por haber formado parte de los hardrockeros holandeses Vengeance, abandonaba la senda hasta entonces recorrida para dirigir sus miras musicales hacia horizontes mucho más ambiciosos, y por qué no, complejos. Arjen Anthony Lucassen fundaba su propio proyecto unipersonal, en un principio pensado sólo como escape puntual a su inspiración e interés, lo que daría lugar a la edición de su primer disco “Ayreon: The Final Experiment”, hasta que su compañía discográfica decidió que aquel concepto necesitaba un nombre, y ellos mismos propusieron que fuera bautizado como Ayreon. El tiempo ha pasado y Ayreon fue cumpliendo años y ganando en reputación, tanto es así que con el paso de las obras ha contado con auténticas pléyades de músicos colaboradores de primer nivel. Pero la confirmación de que Ayreon había llegado para quedarse vino en 1996 con la edición de “Actual Fantasy”, el segundo disco del proyecto, en el que ya aparecía la colaboración de artistas locales, todavía lejos de las obras corales que vendrían en un futuro, pero ya marcando la tendencia de proyectos venideros en base a una propuesta de música de ambientación cinematográfica, con grandes desarrollos y auténticos guiones conceptuales detrás.

El listado de proyectos liderados por Lucassen se ha ido ampliando con el paso del tiempo, con nombres como Ambeon, Star One, Stream Of Passion o Guilt Machine. Sin embargo el inquieto Lucassen necesita aún más espacio para reencuadrar sus inquietudes, y por eso, en estos días editará su primer disco en solitario, el cual lleva el nombre de “Lost In The New Real” y puede considerarse el trabajo más ecléctico jamás creado por Arjen Lucassen, lo cual es ya mucho decir. En él aparecen al descubierto sus influencias de grandes bandas de siempre como The Beatles, Pink Floyd o Led Zeppelin… Condicionantes claros, aunque pasados por su personalidad y sabiduría. Disco doble, aunque el segundo está compuesto por canciones sobrantes y versiones de Frank Zappa, Alan Parsons, Led Zeppelin o Pink Floyd. “Lost In The New Real” es además el primer disco en el que Lucassen se atreve a cantar como solista en todos los temas y cuenta con la voz a la narración del actor Rutger Hauer, para redondear esta historia sonora de ciencia ficción, mordaz y aguda…

(Además esta semana en Rocktopia: ODDLAND, FRED WESTRA, HOUSE OF SHAKIRA, TYKETTO y 4BITTEN)

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Una mini-revolución musical para comenzar el programa esta semana, y es que en aquel ya lejano 1987 un tenue viento de cambio sopló en el continente europeo para refrescar un género como el heavy rock, que venía de posicionarse jerárquicamente con la explosión de aquella escena bautizada como NWOBHM, pero que necesitaba ampliarse geográficamente, y aún más, sentar las bases de un futuro. Una parte importante de todo eso se cumpliría con la edición del segundo disco de una, por entonces, poco conocida banda alemana. El 23 de mayo de 1987 Helloween publicaban su “Keeper Of The Seven Keys pt.1”, y con él un subgénero como el power metal sentaba cátedra.
Después de un primer mini-LP y del subsiguiente larga duración con Kai Hansen como guitarrista/cantante, Helloween pensaron en la necesidad de reclutar a un auténtico vocalista. El elegido, un jovencísimo Michael Kiske, se convertiría en santo y seña de una generación de vocalistas europeos, mientras la química en el seno de la banda daba sus frutos gracias a esa seminal saga de “Keeper Of The Seven Keys”, en los que el metal se volvía optimista, dinámico y de pulida sonoridad. Todo sin perder un ápice de vigor. El primer single de “Keeper Of The Seven Keys” fue “Future World”, inmejorable carta de presentación para que el mundo se rindiera ante la nueva encarnación de Helloween.

Cualquier tiempo pasado fue mejor, tal y como reza el dicho. Quizá por eso aquella formación de Helloween y aquellos años del grupo alemán han ido cayendo en la memoria como un hecho casi sublime. El caso es que debido a ello, la expectación suscitada con la nueva reunión de Kai Hansen y Michael Kiske, bajo el nombre de Unisonic, ha sido muy notoria. Con cuentagotas… primero mediante un min-LP de adelanto, y hace un par de semanas ya con la edición del primer flamante nuevo disco de Unisonic, el caso es que el disco homónimo del grupo está ya en las tiendas.
Además de Kiske y Hansen: Mandy Meyer (guitarrista ex-Gotthard, ex-Krokus, ex-Asia); Kosta Zafiriou (batería de Pink Cream 69); y Dennis Ward, bajista de Pink Cream 69, (además de otros innumerables proyectos) conforman la banda, con la producción del propio Dennis Ward, más que probado y reputado especialista en estas lides.
Un disco posiblemente menos heavy de lo que se podía esperar, quizá más hard, al estilo europeo, pero con el sello y la clase inconfundibles en sus protagonistas. Todo un acontecimiento, por eso es nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: AXEL RUDI PELL, VENDETTA, ROMA IVAKOV, ANATHEMA, HEMINIA y BIOSFEAR)

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Destapamos la edición de hoy del programa con el cuarto álbum de unos pioneros del metal técnico y progresivo como Fates Warning. Después de la inclusión en la banda de Ray Alder como vocalista en su anterior trabajo, Fates Warning dirigían sus miras musicales hacia espacios antes no visitados. Los cambios en la formación habían abierto su abanico de posibilidades estilísticas, y la respuesta en forma de disco fue “Perfect Symmetry”, el que se puede considerar primer álbum de una nueva era para la banda de Connecticut. Y es que después de aquel trabajo las miras musicales de Fates Warning abandonaron notablemente las recurrentes influencias de Iron Maiden o Judas Priest de sus primeros obras, para cambiarlas por un sonido más estilizado, en el que las melodías encontraban mayor acomodo y sobre todo una profundidad sonora y de concepto musical que daba pie a canciones mucho más ricas. En 1989 se editaba “Perfect Symmetry”, y con ello Fates Warning daban un paso importante en busca de su futuro…

El por entonces teclista de Dream Theater, Kevin Moore, aparecía en ese disco de Fates Warning, como músico invitado. Fue una de las primeras colaboraciones discográficas de él, y del líder de Fates Warning, Jim Matheos. Algo que se convirtió en una fecunda amistad musical, la cual terminó por consolidarse definitivamente con ese hermanamiento audaz en forma de proyecto y cuyo nombre es el de las siglas O – S –I, Office Of Strategic Influence. La dupla Matheos/Moore, con la aportación del batería de Porcupine Tree, el gran Gavin Harrison, quien sigue sustituyendo a la percusión, a Mike Portnoy, quien fuera fundador también de OSI. “Fire Make Thunder” que es como se titula el nuevo disco de OSI, nos lleva de nuevo por territorios imposibles para muchos, pero que son el caldo de cultivo mediante el cual Jim Matheos y Kevin Moore desatan toda su pasión. Guitarras tecnificadas, inspiración con visos psicodélicos pasados por estética cibernética, bases de ritmo intrincadas y mensajes surrealistas… desde el momento de su creación fieles a sus particularísimas señas de identidad, las mismas que nos hacen llegar a “Fire Make Thunder”, otro álbum no para todos los públicos, pero de enorme valía. Por eso es nuestro disco de portada esta semana en Rocktopia.

(Además esta semana en Rocktopia: GAVIN HARRISON & 05RIC, REDEMPTION, JEFF LOOMIS, DARK EMPIRE, DARIO MOLLO/ TONY MARTIN y SHY)

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La edición de hoy del programa se abre con nuestro vistazo al pasado, como de costumbre, y con un grupo que como otros muchos no llegó a estar en el momento justo en el sitio adecuado. Hoy revisamos nuestros recuerdos con Skin. Grupo formado en 1992 contando con el guitarrista Mike Gray y el vocalista Neville MacDonald. Ambos provenían de grupos de cierto arraigo en la escena hardrockera británica de segunda fila, gracias a su militancia en bandas como Jagged Edge y Kooga respectivamente. Pero fue su batería Dicki Fliszar quien consiguió un buen contacto, gracias a haber pertenecido al grupo de directo de Bruce Dickinson, por eso Skin lograron formar parte de la agencia de contratación de Iron Maiden, lo que les llevó a tocar en directo de manera constante, y también a la grabación de su primer disco, titulado como la banda y grabado en Los Angeles, a todo trapo, con el afamado productor Keith Olsen. Lo suyo era hard rock clásico de primera fila, excepcionalmente ejecutado, interpretado con todo el poso de lo auténtico. El primer disco de Skin llegaría al puesto número 9 de las listas del Reino Unido gracias a canciones pletóricas como “Money”, aunque aquel año 1994 se tornó como fecha límite para bandas como ellos…

La última actuación de Skin tendría lugar el pasado verano en el prestigioso High Voltage Festival de Londres. Compartieron cartel con grandes nombres como Judas Priest o Dream Theater, pero también con bandas de menor calado pero muy notables, como los protagonistas del disco de portada de Rocktopia, esta semana. Me refiero a los pujantes Furyon. Un grupo del que no sabíamos nada, a pesar de que autoeditaron su primer disco hace ya dos años. Problemas de distribución y promoción, hasta que afortunadamente la discográfica Frontiers ha reparado en ellos relanzando ese primer disco, titulado “Gravitas” para satisfacción de los que disfrutamos descubriendo nuevos grupos. Aunque ellos nos son músicos especialmente jóvenes, sino una combinación de experiencia y juventud, que se traduce en su música a mitad de camino entre lo clásico, lo moderno y la épica hardrockera, con un sonido incontestable y canciones rematadas a base de calidad y capacidad interpretativa…

(Además esta semana en Rocktopia: PHENOMENA, BANG TANGO, STEPHAN FORTÈ, A SOUND OF THUNDER, NIGHTWISH y MY NAME IS JANET)

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La mitad de la década de los ochenta se tornó como uno de los periodos más críticos en la historia de una institución de la música americana como Kansas. Las diferencias musicales y líricas de dos de sus miembros fundamentales como Kerry Livgren y Steve Walsh llevaron al grupo a través de diferentes cambios de formación que acabarían con la separación en 1984. Afortunadamente todo quedó en una pausa de algo más de un año. Después de haber abandonado tiempo atrás, el cantante Steve Walsh decidió tomar las riendas de Kansas reuniendo a su alrededor una mezcla de antiguos miembros del grupo y nuevos componentes entre los que destacaba el mago guitarrero Steve Morse, quien se había ganado una merecidísima reputación con Dixie Dregs. En noviembre de 1986 la espera había terminado. “Power”, el décimo trabajo en estudio de Kansas veía la luz. Expectativas y recelo se daban la mano en el primer acercamiento sonoro al nuevo disco, y es que se trataba de un concepto sonoro, que si bien guardaba similitudes con la historia reciente de la banda, representaba una renovación de propuesta musical. El inconfundible sello de Steve Morse se hacía sentir y el exultante estado vocal de Steve Walsh también. “Power” significaba un renacimiento de unos Kansas perfectamente acoplados a las tendencias en boga. Accesible, comercial y elegante, pero sin perder las dosis de épica y lírica imprescindibles en ellos.

Steve Morse es especialista en colaborar en la reflotación de naves musicales con distintivo de institución. Lo hizo con Kansas y lo hizo con Deep Purple. Pero Steve Morse, que es un tipo inquieto, echa de menos la actividad y, aprovechando las largas pausas de Deep Purple, colabora en proyectos y, aún más, aparece como miembro de un supergrupo de lujo como Flying Colors. Una de las formaciones que más expectativas ha levantado entre la parroquia clásico-rockera y progresiva en los últimos tiempos: Steve Morse, Mike Portnoy (ex Dream Theater), su colega en Transatlantic el ex Spock’s Berad Neal Morse y el extraordinario bajista Dave LaRue, quien tocara junto a Morse en Dixie Dregs… Todos estos veteranos y brillantes músicos han unido sus fuerzas y las han implementado con la sangre joven del semi-desconocido vocalista Casey McPherson, para dar forma a estos estratosféricos Flying Colors que editan disco homónimo, rubricando un trabajo destinado a ser uno de los mejores del presente año. Sabiduría musical y buen gusto en un álbum que suena fresco, desbordante de vitalidad e inspiradas ideas. Un lujo llamado Flying Colors.

(Además esta semana en Rocktopia: NEAL MORSE, IT BITES, NEAL ZAZA, HEAT, THE MAGNIFICENT y ÁNIMA SACRA)

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Cuando en EE.UU era del todo impopular hablar de metal sinfónico, progresivo y neoclásico, en New Jersey había un tipo llamado Michael Romeo que lanzaba su carrera como guitarrista mediante su disco instrumental “The Dark Chapter”. La intención en un principio no iba más allá de eso, pero el siempre particular público japonés, aficionado como el que más a los grandes instrumentistas, puso sus ojos en él, y Romeo vio en ello una oportunidad para montar su propia banda, con la que poder ampliar sus horizontes. Así nacían Symphony-X. Después de un primer álbum de tanteo con el vocalista Rod Tyler como miembro del grupo, tan sólo 8 meses después de su debut, llegaba el primer trabajo de Symphony-X con el cantante Russell Allen. Aquel trabajo se editaba en 1995, y aunque no puede considerarse uno de los destacados de su discografía, sí significó un antes y un después. La semilla para que Symphony-X creyesen en sí mismos, a pesar de las escasas ventas y casi nulas actuaciones en directo. Es nuestro disco del recuerdo: “The Damnation Game”, los primeros pasos de Symphony-X en plena ebullición de metal neoclásico y sinfónico…

La trayectoria de Symphony-X ha seguido hasta nuestros días, ya con una repercusión relativamente considerable y con un sonido cada vez más contundente. Así que no es tan de extrañar que Russell Allen haya querido ir más allá para ingresar en las filas de los rotundos Adrenaline Mob. Adrenaline Mob representa una de las variadas propuestas que el ex-batería de Dream Theater, Mike Portnoy, tiene entre manos después de su salida de su grupo de siempre. Con el acompañamiento de lujo de un cantante de la potencia y variedad de registros de Russell Allen se puede llegar muy lejos, y Portnoy, quien siempre ha sido muy astuto, se ha aporvechado felizmente de ello para montar Adrenaline Mob, y editar su primer larga duración el cual lleva por título “Omertà”.
Esto es metal americano, sin remisión, pero con matices distintivos que aparecen espolvoreados a lo largo de las canciones que conforman el disco. Esto es poderoso metal repleto de clase y groove, con una ejecución técnica fuera de toda duda. Es nuestro disco importante esta semana. La vendetta musical de Adrenaline Mob.

(Además esta semana en Rocktopia: PRIMAL ROCK REBELLION, ENOCHIAN THEORY, ANDY TIMMONS, JACK BLADES, PRETTY MAIDS y DEEEXPUS)

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Reivindicamos el buen nombre de un grupo como The Tea Party para iniciar hoy Rocktopia. Grupo de culto prácticamente desconocido en nuestro país, pero con cierta repercusión en Inglaterra y gran prestigio en su país de origen: Canadá. La historia comenzaba en 1990, cuando tres chavales de la localidad de Windsor en Ontario, unían sus fuerzas para desarrollar poco a poco su visión musical en la que encontraban acomodo, tanto su pasión por el Rock en general -ya fuera más clásico o más psicodélico-, como su interés por músicas alejadas de su entorno… músicas del mundo provenientes del medio oriente o de la India. Esa impronta exótica no sería demasiado perceptible en un primer momento, pero terminó por confirmarse con la edición de “The Edge Of Twilight” en 1995. El tercer disco de The Tea Party, y el que plasmaba más a las claras, hasta ese momento, los derroteros en los que Jeff Martin, Stuart Chatwood y Jeff Burrows querían moverse. Instrumentos como el sítar, el sarod o el doumbek tenían cabida en “The Edge Of Twilight” y también las melodías y harmonías deudoras del amor que The Tea Party sentían por las músicas del mundo…

Relacionamos nuestro disco del recuerdo de esta semana con The Tea Party y los protagonistas de nuestro disco importante del programa de hoy, y lo hacemos mediante Jeff Burrows… y es que este miembro de The Tea Party ha participado en la grabación del nuevo disco de The Kordz. The Kordz tienen bastante que ver con la propuesta de The Tea Party, solo que en sentido geográficamente inverso, ya que ellos vienen desde el Líbano y adoran la música Rock, además de volcar en ella las influencias de la cultura a la que pertenecen. “Beauty And The East” es su último disco. Mensajes universales, de hermanamiento y creencia en los valores humanos a través de canciones de metal alternativo, cinceladas con asiduidad por melodías arábigas. Producción de lujo por parte de Ulrich Wild, quien ha trabajado con grupos como Deftones o White Zombie, para terminar de enfocar este atractivo collage. Es nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: MYRATH, GAZPACHO, TONY MacALPINE, UFO, PHILIP SAYCE, JEFF SCOTT SOTO y SIGNATURE)

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El recuerdo esta semana en Rocktopia, para los reyes del boogie Rock: Status Quo. Una de las bandas más históricas del Reino Unido, nacidos en 1967, y aún hoy en activo, editaban en mayo de 1974 uno de sus discos de referencia: “Quo”, considerado por muchos como una de sus obras más hardrockeras. “Quo” alcanzaba el número 2 de las listas de ventas británicas, en una de las épocas más relevantes de esta institución musical londinense. Y es que Status Quo se encontraban en plena ebullición y pujanza. Ruidosos o cadenciosos por momentos… ramalazos de su característico boogie Rock que daban paso a soplos del mejor hard rock de la época. Temazos como el inicial “Backwater” que sentaban las bases de lo que venía después. Era “Quo” la esencia de Status Quo en aquel disco de 1974, nuestro disco del recuerdo…

Esa canción de Status Quo, “Backwater”, tiene y mucho que ver con el protagonista de nuestro disco de portada en la edición de hoy de Rocktopia, y es que en palabras de Kike Caamaño ese disco, “Quo”, fue el que le hizo desear dedicarse en cuerpo y alma a la música. Y decir Kike Caamaño es por supuesto decir Asha. Ese proyecto que desde 1987 y con regularidad, refresca la escena nacional con cada uno de sus nuevos lanzamientos independientes. Sus ideas musicales trascienden lo obvio, casi siempre, moviéndose en territorios solo reservados para los que creen con el arte como único compromiso. Por eso ponerte delante de un nuevo disco de Asha produce una sensación de reto para nuestros oídos, y hasta de curiosidad por desvelar qué hay detrás del trabajo audaz y sincero de un músico de la categoría de Kike Caamaño. Y así, con ese espíritu, nos acercamos a “Pleasures Of Equality” el nuevo y flamante disco de Asha. Un trabajo de profunda musicalidad en el que perduran las trazas esquizoides de su anterior obra, pero esta vez conjugadas con la inclinación que Caamaño ha sentido siempre por los buenos estribillos y líneas melódicas. “Pleasures Of Equality” es heterogéneo, como es norma de la casa, un viaje de subidas y bajadas en el que por momentos te da la sensación de estar frente a un híbrido imposible de grupos como Led Zeppelin, King Crimson o Van Halen.. Kike Caamaño en modo multiinstrumentista con la gran labor vocal de su colega Jacob Poulsen. Excelente diseño de portada e interior para “Pleasures Of Equality”, el cual está lleno de espasmos sonoros como “Here We Come Around”. Es nuestro disco importante esta semana en Rocktopia. La excelencia del Rock español se llama Asha.

(Además esta semana en Rocktopia: DEVIL’S TRAIN, LILLIAN AXE, ELIAS VILJANEN, LANCE KING, LORD OF MUSHROOMS y MECCA)

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Paseamos por el mundo de los sueños en los primeros instantes de Rocktopia. Y es que nuestro disco del recuerdo es el séptimo en la carrera de una banda histórica como Rainbow. Vivían sus horas más álgidas en cuanto a popularidad en los Estados Unidos, las huestes de Ritchie Blackmore, con el cantante neoyorquino Joe Lynn Turner como lugarteniente, parecían estar ante la gran oportunidad de dar un zarpazo definitivo al mercado yankee. Así que, después de un buen acercamiento comercial con “Straight Between The Eyes”, Rainbow se conjuraban para diseñar un disco de similares características, un contenedor en el que tuviesen lugar los cortes más tradicionales de la escuela hard-rockera de Blackmore, pero espolvoreados con temas estratégicos que pudiesen acercar al grupo, aún más, a las listas americanas, las cuales se les habían resistido en mayor o menor medida durante largo tiempo. Así surgía “Bent Out Of Shape”, el que sería el último disco de Rainbow antes de su primera separación, motivada por la posterior reunión de Deep Purple. Canciones como “Street Of Dreams”, la cual fue elegida como primer single del disco, mostraban un despliegue magistral de lírica y accesibilidad, tanto que llegó al número dos de las listas de sencillos en Estados Unidos, y tanto, que incluso sonaba con frecuencia en las radio-fórmulas españolas…

Con la separación de Rainbow, su cantante Joe Lynn Turner se quedó compuesto y sin grupo. Aprovechando el tirón de su curriculum de entonces, editaría inmediatamente un primer disco en solitario, que se convirtió para muchos en álbum de referencia del hard melódico. Luego, después de algunos palos de ciego, Turner llegó a formar parte de Deep Purple, además de haber pertenecido a bandas como la de Yngwiee Malmsteen, Brazen Abbot, Mother’s Army… recordar también el combo que formó con Glenn Hughes o esa banda que en los próximos días edita nuevo disco y que se llama Sunstorm.
“Emotional Fire” es el tercer álbum de esta agrupación montada para lucimiento de un Joe Lynn Turner cuyo rango y claridad vocales van decreciendo con el paso del tiempo, dando paso a una forma de cantar más sobria. Un álbum en el que aparecen algunos covers de canciones para las que JLT aporto segundas voces en colaboraciones de estudio para artistas como Muchael Bolton o Cher, además de otras originales firmadas por músicos de Vega, Murder Of My Sweet o Crash The System. Sunstorm es nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: D.A.D., ASHA, STEPHAN FORTÈ, THE SAFETY FIRE y BUSH)

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Para echar un vistazo al pasado en la edición de hoy del programa nos fijamos en Samuel Roy Hagar, conocido popularmente por la parroquia rockera como Sammy Hagar. El guitarrista y cantante californiano se daría a conocer primeramente como componente de Montrose, lo que le valió el reconocimiento para iniciar su propia carrera en solitario, como hard-rocker de pro, en la más pura tradición norteamericana. Un artista de peso medio, de trayectoria sólida, que vería elevada su categoría cuando en 1985 se convirtió en el sustituto de David Lee Roth en las filas de una de las luminarias del Rock más importantes en aquel momento: Van Halen. Pero él no olvidaba las canciones que guardaba para sí mismo, por eso, un par de años después, volvería a los estudios de grabación para plasmar un nuevo puñado de sus canciones. Eran tiempos de buen rollo entre él y Eddie Van Halen, tanto que éste se encargaría de co-producir aquel disco, e incluso de tocar el bajo en todas las canciones de un álbum el cual en un principio sería editado sin título, pero que más tarde sería re-bautizado con el nombre de “I Never Said Goodbye”, cosa que ocurrió a través de un concurso promocional en la MTV. Promoción, que junto con el tirón que por entonces poseía Sammy Hagar, hizo que “I Never Said Goodbye” llegara hasta el número 14 de las listas de venta americanas. Todo a pesar de no ser precisamente uno de los discos más destacados de Hagar, demasiado preocupado en limpiar la producción y algo menos en poner sobre el tapete su capacidad de rockero racial.

Sammy Hagar, es uno de los declarados detractores del nuevo disco de Van Halen…

Por fin ya en nuestras manos uno de los álbumes más esperados de los últimos lustros. Después de superar enfermedades, después de limar asperezas, casi 30 años después de editar su último disco juntos, aparece “A Different Kind Of Truth” el nuevo disco de Van Halen con David Lee Roth como cantante. Ya ha habido quien se ha apresurado a denostarlo, como suele ser habitual en estos casos, pero lo cierto es que los fans de toda la vida de Van Halen están de enhorabuena con esta reunión que supone la recuperación de la magia, de una de las formaciones más carismáticas que jamás haya dado la historia del Rock. Los máximos exponentes de la pirotecnia instrumental, la vocación comercial, la electricidad desenfadada, del espectáculo en sí mismo… Van Halen con un disco más que respetable al que probablemente le sobre algún tema para alcanzar aún mayor empaque, aunque tal y como está, no le va a la zaga de algunos discos de la banda como “VH II” o “Women And Children First”. La capacidad de encantamiento de uno de los guitarristas más influyentes de la historia y su contrapunto en la figura de David Lee Roth. Riffs que fluyen con ese sonido y ese estilo característicos, y que ya de por sí merecen detenerse a escucharlos. Es nuestro disco de portada, en mayúsculas y subrayado…

(Además esta semana en Rocktopia: UNISONIC, HOUSE OF LORDS, FRANCESCO ARTUSATO PROJECT, DREAM THEATER, PAIN OF SALVATION y JOE BONAMASSA)

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Transcurría el año 1988 cuando el bajista Billy Sheehan grabó su último disco con la banda de David Lee Roth. Después de unos cuantos años a la sombra de un artista del carisma de Roth, Billy Sheehan decidió, ayudado por el cazatalentos Mike Varney, montar su propia banda, pero quería hacerlo por todo lo alto, con músicos, que como él, atesoraran una gran capacidad técnica. Así fueron apareciendo el batería Pat Torpey que había trabajado con Ted Nugent e Impellitteri, Paul Gilbert de Racer-X y el cantante Eric Martin, casi todos relacionados con la escudería de artistas de Varney. Así nacía Mr. Big, nombrados a partir de la canción del mismo nombre de los legendarios Free. De inmediato, los recién nacidos Mr. Big, se pondrían manos a la obra para componer las canciones que debían ser incluidas en su primer disco. La idea era hacer música en la que tuvieran espacio el virtuosismo y la comercialidad, para que se diesen la mano en un micro-universo eléctrico y pirotécnico, y el resultado se ajustó, y de qué manera, a aquellos preceptos, con la consecución de un disco homónimo, que si bien no fue rotundamente exitoso en un primer momento, sí que recibió alabanzas por parte de la crítica y de sus colegas de profesión, además de significar la base sobre la que se construiría la posterior carrera de unos Mr.Big realmente populares.

A partir del año 2002 se produjo la ruptura de Mr.Big, la cual duró hasta hace tres años. Durante todo ese tiempo el cantante Eric Martin continuó con su carrera en solitario, y varios de los músicos que le acompañaron puntualmente como músicos de directo, son los componentes de una banda llamada Himora. Himora vienen de Noruega, aunque suenan irremediablemente americanos. Su primer disco: “Argue All You Want” ha entrado de puntillas en nuestro reproductor de CDs, y como el que no quiere la cosa, ha permanecido en él durante una larga temporada. Y es que este primer disco de Himora te asalta sin darte cuenta, hasta que estás felizmente atrapado.
Hay un lugar en el terreno de las etiquetas musicales, donde todo se confunde y se toman prestadas unas cosas a las otras, y ahí es donde Himora se sienten como pez en el agua. Porque ellos son una inspirada mezcla de Cheap Trick, de Tom Petty, de Bad Company y de montones de nombres que vienen a la mente, aunque, al final, siempre vence su carácter propio. La genialidad de la sencillez en Himora y, “Argue All You Want”, su primer disco, que se va a convertir en el álbum de portada de la edición de hoy de Rocktopia.

(Además esta semana en Rocktopia: LEE SMALL, LESLIE WEST, GUIDO CAMPIGLIO, SPOCK'S BEARD, URIAH HEEP y CONSORTIUM PROJECT)

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En 1993, en Finlandia nacía uno de los fenómenos más extraños acaecidos en el mundo del heavy metal en el final de los noventa y los albores del nuevo siglo. Cuatro chelistas de la Academia Sibelius de Helsinki, inspirados por su pasión por este estilo de música, transformaban a su gusto unas cuantas canciones de Metallica, adaptándolas a sus chelos para así, en 1996, grabar su “Apocalyptica Plays Metallica By Four Cellos”. Tal era la intensidad con la que estos cuatro músicos de adiestramiento clásico interpretaban aquellas canciones, que Apocalyptica dejaron de ser una mera curiosidad convirtiéndose en una agrupación de culto venerada por una gran cantidad de seguidores del heavy metal en todo el mundo. Dos años después llegaba “Inquisition Symphony”, la segunda entrega de su audaz propuesta. En ella había sitio de nuevo para las versiones, otra vez de Metallica, pero también de Faith No More, Sepultura o Pantera. Sus pasiones metálicas se disparaban de nuevo en busca de credibilidad, en busca de probar que vivían lo que hacían fuera del anecdotario, y para reforzar su posición, en aquel disco, se atreverían a incorporar tres canciones compuestas por ellos mismos, que nada tenían que envidiar en dramatismo y energía a los temas de otros. Fue el principio del quizás único grupo de metal que no emplea guitarras eléctricas. Porque el arte es actitud.

Con el paso de los años Apocalyptica se han hecho acreedores a una reputación, lo que les ha posibilitado contar con numerosas colaboraciones como la de la cantante de Lacuna Coil, Cristina Scabbia. Unos Lacuna Coil que editan en estos días su sexto larga duración, al cual han titulado con el nombre de “Dark Adrenaline”. La banda lombarda intenta reeditar el éxito de sus anteriores trabajos retomando la fórmula que los ha llevado a vender un millón de copias de todos sus álbumes. Canciones de corto metraje con su tradicional metal gótico a dos voces, para el que cuentan de nuevo con la producción de Don Gilmore, acostumbrado a trabajar con bandas actuales como Bullet For My Valentine o Linkin Park. Y ese filo de modernidad y comercialidad metálica es perfectamente palpable a lo largo de la totalidad de “Dark Adrenaline”, con sus matices cada vez más americanos y menos europeos. Nuestro disco de portada en la edición de hoy...

(Además esta semana en Rocktopia: BEYOND THE BRIDGE, PRIMAL FEAR, ROMA IVAKOV, VARGTON PROJEKT, CRIPPLED BLACK PHOENIX y TRACER)

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